Un regreso a la artesanía y la contemplación en la Alta Costura
¿Cuál es el papel de las colecciones de Alta Costura en 2026? Es una pregunta con la que los diseñadores parecieron debatirse durante esta temporada. La Alta Costura sigue siendo el pináculo del lujo, pero en un mundo en constante cambio, en las últimas temporadas sus creaciones más ostentosas han llegado a percibirse, a veces, más como un ejercicio de vanidad que como una propuesta verdaderamente ponible. Esta temporada, sin embargo, algunas voces —tanto nuevas como consolidadas— recordaron al público que el foco debía volver a las propias prendas, sin renunciar por ello a una dosis de fantasía.
Una nueva perspectiva
Sin embargo, volver a centrarse en las prendas no significó una pérdida de esplendor. Apenas unos días después de que el mundo de la moda diera su último adiós a Valentino Garavani, el director creativo Alessandro Michele presentó su segunda colección de Alta Costura para la casa de moda romana. El look de apertura de la colección fue un vestido de manga murciélago con un pronunciado escote en un llamativo carmesí, un claro homenaje a Valentino y a su icónico tono carmín, presentado por primera vez en su colección debut de 1959. Sin embargo, no fueron solo las prendas las que marcaron el tono. Fue la manera en que se presentaron, señalando un cambio en cómo se consume la Alta Costura.
Vistas en una percha, las prendas de Michele eran una suntuosa mezcla del glamour de los años veinte y setenta, vestidos aptos tanto para showgirls como para excéntricos. Pero la presentación en sí misma transformó la experiencia. La colección no se mostró en una pasarela, sino que se exhibió a través de 12 kaiserpanorama una especie de mueble circular mirillas que convertían la observación en un acto íntimo.
“La imagen no abruma al espectador, todavía no; lo educa. Le enseña a quedarse quieto, a centrar la mirada y a adoptar una posición basada en la atención”, escribió Michele en las notas del desfile.
En efecto, Michele enseñó a su público a ralentizar, a estar presente y a centrarse en las prendas en lugar de en las pantallas de los teléfonos que ahora dominan la mayoría de los desfiles de moda. Esto hace que el título de la colección —Espejo del Mundo— sea aún más conmovedor. Michele dirige la atención hacia la ropa y, al mismo tiempo, refleja el propio mundo de la Alta Costura, que tradicionalmente ignora la inestabilidad en lugar de responder a ella. En el caso de la Alta Costura de Valentino, ese mundo se preserva tras pequeñas ventanas cuadradas, ofreciendo solo a unos pocos elegidos una visión concentrada de su esplendor.
A través de esta deliberada interacción entre la ropa y la presentación, Michele demuestra que la relevancia de la Alta Costura en 2026 no reside únicamente en el espectáculo, sino en su capacidad para captar la atención, cultivar la contemplación y recordar al mundo que la moda en su apogeo está destinada a ser tanto vista como saboreada.
¿La Alta Costura como antídoto?
Los horrores persisten en el mundo, pero también, de alguna manera, la fantástica visión de la moda de Daniel Roseberry. En un ciclo de noticias que hace que incluso los más curtidos entre nosotros anhelen una vía de escape, el diseñador ofreció precisamente eso: una suspensión temporal de la realidad, algo tan descaradamente imaginativo que parecía casi improbable. A primera vista, esto podría parecer en contradicción con la idea de que la Alta Costura vuelva a la ropa “real”; al fin y al cabo, estas prendas eran de todo menos reales. Sin embargo, su propósito, su misma razón de ser, estaba firmemente anclado en el presente. Roseberry sugirió que la Alta Costura en 2026 no necesita reflejar la realidad, sino que puede responder a ella reafirmando el valor de la belleza en un momento en que el mundo parece cada vez más sombrío.
Para la colección de Alta Costura Primavera/Verano 2026 de Schiaparelli, titulada La Agonía y el Éxtasis, Roseberry se inspiró en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, no como una fuente narrativa literal, sino emocional. En lugar de traducir frescos en prendas, buscó capturar las sensaciones viscerales que provocan: asombro, vulnerabilidad, tensión y trascendencia. Este enfoque definió el corazón de la colección: la Alta Costura no como una narración literal, sino como una invitación a experimentar sensaciones en lugar de descodificar simbolismos.
Esa filosofía se materializó en una serie de rasgos reptilianos y arácnidos —colas de escorpión, dientes de serpiente y siluetas quiméricas—, todos representados en formas explosivas que desafiaban la gravedad. Estas creaciones equilibraban un extraordinario rigor técnico con una sensación de imaginación desenfrenada, prendas que parecían vivas en su exceso. Aquí, la fantasía no era escapismo por sí mismo, sino una estrategia deliberada: un recordatorio de que la artesanía y la creatividad, llevadas al límite, todavía pueden provocar emociones en una cultura visual sobresaturada.
Por lo tanto, no es exagerado suponer que la colección de Roseberry nunca estuvo destinada principalmente a ser vendida, sino a inspirar. En un momento en que tanto la Alta Costura como el ready-to-wear privilegian cada vez más la claridad comercial sobre la ambición narrativa, La Agonía y el Éxtasis se erigió como una refutación silenciosa. Su relevancia no residía en su ponibilidad, sino en su intención.
Nueva costura
Y luego estaban los recién llegados, Jonathan Anderson y Mathieu Blazy, presentando cada uno sus primeras colecciones de Alta Costura para Dior y Chanel, respectivamente. Dos de las colecciones más esperadas de la temporada —y del año—, pero quienes buscaban un espectáculo instantáneo podrían haberse sorprendido. Aunque totalmente diferentes, ambas visiones se centraron en la ropa, la artesanía y una cuidadosa atención al detalle.
Esto no quiere decir que la magia o la poesía estuvieran ausentes. Hubo mucho de ambas, junto con excursiones a la naturaleza, pero, sobre todo, hubo ligereza. En Dior, esto fue evidente en un espacio lleno de flores que invitaba a la comparación con el propio debut de Raf Simons en la Alta Costura, antes de que la flora y la fauna migraran a la propia pasarela. La colección reflejó esa atmósfera. Voluminosas túnicas de delicadas plumas flotaban sobre pantalones de seda fluidos, mientras que jerséis de cachemira caían sin esfuerzo sobre un hombro, encima de faldas escocesas cortas y cruzadas. Ajustados tank tops se combinaron con faldas de jacquard, con cinturas abullonadas en una divertida inversión del polisón tradicional, fusionando elegancia con naturalidad. Incluso un estrecho abrigo de pitón negro ofrecía solo un sutil guiño a la silueta Bar encogida, una de las pocas referencias explícitas al legado de Dior.
Más allá de las prendas, los bolsos fueron fundamentales en la visión de Anderson, tendiendo un puente entre la expresión creativa y la estrategia comercial. La colección incluía joyas forjadas con meteoritos y bolsos reciclados a partir de textiles del siglo XVIII, ofreciendo a los clientes —y al público en general— nuevas formas de conectar con la meticulosa artesanía que es el corazón de la casa. En declaraciones a The Business of Fashion antes de su primera presentación de Alta Costura, Anderson enfatizó que la Alta Costura de Dior existe para preservar habilidades que de otro modo podrían desaparecer, una responsabilidad que continúa dando forma a su enfoque e ilumina el valor perdurable de la Alta Costura en 2026.
Un valor que tanto Dior como Chanel comparten claramente es la devoción por la artesanía, al igual que los motivos naturales que enmarcaron ambos espacios. Como señaló Blazy en las notas de su desfile: “La Alta Costura es el alma misma de Chanel. Es el fundamento y la máxima expresión de la casa”. Sin embargo, para su debut, optó por la fantasía sobre el realismo, al menos en lo que respecta al diseño del escenario. El Grand Palais se transformó en un bosque de setas gigantes sobre una alfombra de color rosa pálido, acompañado primero por la banda sonora de La Bella Durmiente de Walt Disney y terminando inesperadamente con “Wonderwall” de Oasis.
Quienes esperaban vestidos fantásticos de princesa se encontraron con una realidad más discreta. Los primeros looks fueron comedidos, pero la colección cumplió el verdadero propósito de la Alta Costura: revelar la extraordinaria habilidad de un atelier capaz de transformar tejidos delicados en obras maestras casi silenciosas. Blazy abrió con una reinterpretación en gasa de color nude del clásico traje de tweed de Chanel, con sus capas transparentes apenas sujetas por finas cadenas y perlas, despojándolo de los significantes familiares e introduciendo detalles claramente propios de Blazy. Tank tops y vaqueros aparecieron en organza con efecto trompe-l’œil, un guiño a su trabajo en Bottega Veneta, mientras que flecos y plumas salpicaron la colección, combinando el virtuosismo técnico con una elegancia lúdica.
En una era dominada por las reacciones instantáneas de las redes sociales, donde un desfile puede ser calificado de “aburrido” en cuestión de minutos, es fácil pasar por alto la sutileza. La Alta Costura no necesita abrumar ni deslumbrar para justificar su lugar. Su importancia a menudo reside en una complejidad silenciosa, la precisión de la técnica y las innovaciones que solo se revelan a través de una atención cuidadosa y una observación repetida, cualidades que siguen siendo fundamentales para su propósito en 2026.
Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial.
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